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WHAT: Lucky Bastard
LINK: www.luckybastardmovie.com

Por Lizandro Melean / @lizandro_melean

El género del metraje encontrado, popularizado por La Bruja de Blair en 1999, hace rato que debió haber muerto y aunque nunca dejaré de ver las secuelas de Paranormal Activity así lleguen hasta la número 23, es lógico decir que el recurso está ya más que agotado pero Lucky Bastard lo ha revivido tocando un tema que le va como anillo al dedo al negocio de la cámara en mano: el porno.

El director Roberth Nathan ha creado una cinta obscena, llena de desnudos que casi llegan a ser hardcore, con penetraciones simuladas, actos sexuales que podrían ofender a cualquiera y actuaciones que te hacen creer por un momento que lo que estás viendo en pantalla es real.

Betsy Rue interpreta a Ashley Saint. Es tan buena actriz que tiene toda la pinta de una estrella porno white trash y hasta nos hace recordar un poco a la actriz porno Sylvia Saint. Una chica con hijos que está en el negocio por el dinero. La película te muestra el lado oscuro del porno, ese que se esconde luego de que sus actores lo dejan todo en la cama, cuando las sonrisas y los gemidos fingidos se transforman en suspiros que buscan una mejor vida.

En la otra esquina del cast se encuentra Jay Paulson en el papel del fanático de  Ashley Saint. Paulson es seleccionado como ganador de una exitosa página web llamada Lucky Bastard (algo así como Maldito Afortunado) y su premio es poder follar con la afamada actriz y estar en la página que tanto le gusta.

Todo lo que pasa después es mejor no contarlo para que las sorpresas vengan por si solas pero sí les digo que es una crítica al mundo porno, a sus realizadores, a sus actrices y a sus fanáticos. Lee Kholafai y Catherine Anette son otros dos que hacen muy bien su trabajo interpretando a actores porno. Kholafai tiene toda la pinta de actor porno nuevo,  y Anette se roba la pantalla cada vez que la toca y tiene una de las mejores escenas de la película junto a Paulson.

Hollywood está asustado de esta cinta, nadie quiere que la veas, pero como siempre pasa, lo prohibido termina popularizandose poco a poco y Lucky Bastard ha dado tumbos exitosos en festivales y en ciertas cadenas de cine independiente en donde creen que el cine verdadero también se cocina fuera de los grandes estudios.

Lucky Bastard es una película cruda, polemica, sucia y enferma. Mis cinco palabras favoritas fueron usadas en hora y media de sangre, sexo y violencia. Para mi esta película fue una belleza, una crítica a la industria porno, un documental acerca de la vida de las pornstar y de cómo la sociedad está llena de disociados que pueden arruinarte la vida más rápido de lo que acaba un adolescente.

Si tienes chance debes verla…agradéceme después.

Follow us: @ CoolHProject

Coolhunting Project, estuvo en la pre-inauguración del primer hotel de Lego de los Estados Unidos, ubicado en Carlsbad, California.

Los Directores Creativos de este site, Greta y Lizandro, se alojaron en una habitación temática de Piratas y grabaron todas sus aventuras para que tú fueses cómplice de ellas.

Un elevador discoteca, más de 3.500 modelos de Lego, 250 habitaciones temáticas, entretenimiento para adultos y niños, piscina y hasta un castillo lleno de piezas coloridas de Lego, todo esto y más te brinda el hotel que se encuentra frente al parque temático: Legoland California. Sin duda alguna un spot que no debería faltar en tu próximo viaje familiar.

Coolhunting Project was in the pre-opening of the first Legoland Hotel in the United States, located in Carlsbad, California.

The site’s Creative Directors, Greta and Lizandro, stayed in a Pirate-themed room and they recorded all their adventures so you could be their accomplice in this bricktastic trip.

A disco elevator, more than 3.500 Lego models, 250 themed rooms, entertainment for kids and adults alike, a swimming pool, and even a castle full of colorful bricks. All this and more  is what the hotel has to offer to its guests. Don’t forget that is located in front of the Legoland theme Park, which makes it an unmissable destination on your next trip to California

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WHAT: The Lords Of Salem

Por Lizandro Melean / @lizandro_melean

Lords of Salem, la nueva película del maestro del horror Rob Zombie, viene siendo el film más estético de toda su carrera.

Cuenta la historia de una ex-junkie y locutora de radio llamada Heidi (interpretada genialmente por la esposa/musa de Zombie, Sheri Moon Zombie) quien un día recibe un paquete con un disco de una banda llamada “The Lords”.

Esto es lo único que deberías saber acerca de la película pues es una de esas cintas que tienen que ser vistas sin saber el más mínimo detalle para ser apreciadas como se deben. Es un film que no es para todo el mundo, Rob Zombie lo sabe y no le importa, eso es lo que la hace genuino.

Es un retorno a ese cine de terror ya extinto: lento, atmosférico e inteligente; lleno de “algo” que se te va metiendo por debajo de la piel poco a poco y hace que te erices sin saber por qué.

Es una película tan  cuidada que cada escena es una obra de arte psicotrópica llena de colores, encuadres atractivos y movimientos de cámara sutiles, de esos que hacen que te sumerjas en la pantalla. Las actuaciones son acertadas (sobre todo la relación entre Heidi y Herman Whitey, que curiosamente se parece a Rob Zombie), Ken Foree, Bruce Davison y la fabulosa Dee Wallace, quien se come la pantalla cada vez que está en ella.

Zombie es el Quentin Tarantino del horror. Es un director que ama el séptimo arte y sus películas son homenajes originales a todo lo que le inspira. “Lords” tiene influencias de maestros como Argento, Bava y Polanski, pero Zombie le agrega la sal y la pimienta de su gabinete personal a cada escena. Es un intento de hacer una película Europea en el mercado Norteamericano, lo cual es una movida bastante atrevida.

La cinta además devuelve el poder del soundtrack al mundo del horror. Años atrás salías del cine tarareando las canciones de clásicos como The Exorcist, Jaws y The Omen, pero eso se fue perdiendo con el pasar del tiempo. Zombie, usando su amplio conocimiento musical, ha logrado agregar otro soundtrack a los anales del terror con una composición que envenena tu mente luego de haberla escuchado por primera vez y que se repite a lo largo del film para que se te quede bien grabada en tu subconsciente.

La película está llena de elementos freudianos, de preguntas (y críticas) religiosas, y aunque no tiene la cantidad de sangre y shock visceral de ofrecimientos como The Evil Dead o incluso The Devil’s Rejects, la película se refugia en el miedo a lo desconocido, en posesiones infernales, en actuaciones poderosas y en un guión que te hace zambullirte en este mundo macabro y te olvides que estás en una sala de cine.

Rob Zombie, es uno de los pocos directores modernos que entiende y le hace el amor al terror como se debe. El género seguirá vivo  mientras gente como Rob Zombie siga acechando.

Si quieres ver todo lo que el cineasta tuvo que decir en el Q&A que ofreció en la premiere de “Salem” da PLAY abajo. Lo grabamos para ti:

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WHAT: The Place Beyond the Pines Review

Por Lizandro Melean /@lizandro_melean

The Place Beyond The Pines es un film acerca del destino y de las decisiones que tomamos y de cómo estás pueden construir/destruir tu vida. Es un drama épico de 2 horas y media, que recuerda de a ratos a películas como Crash. La película está llena de tracking shots, handheld cameras, acción, suspenso, drama y romance. El director Derek Cianfrante ha construído una cinta que sin duda no tiene nada que envidiar a otras hechas por maestros modernos del cine como los hermanos Cohen y Paul Thomas Anderson.

La película comienza con un tracking shot desde la espalda de Ryan Gosling (toma que se convierte en un motif recurrente a lo largo de “Pines”), una toma continua que nos lleva hasta una carpa de circo donde vemos a nuestro protagonista hacer acrobacias como motociclista dentro de una esfera metálica.

Gosling se identifica como el héroe del film desde la primera toma, con un vestuario que resalta:  una camiseta de Ride The Lightning de Metallica, botas desvencijadas y tatuajes por doquier. Gosling convierte a un personaje, que está lejos de ser simpático, en alguien que vale la pena seguir. Es un papel que recuerda a lo que hizo en Drive pero mucho más desarrollado…ah, y en vez de una carro esta vez Gosling prefiere andar en moto.

El rey de los memes de “Hey Girl” incluso tiene como primera línea un simple “hey” que dice justo la primera vez que lo vemos dirigirse a Romina (Eva Mendes), un antigüo amor con quien tuvo un bebé. El detalle es que Gosling no sabe acerca de la existencia del infante hasta que lo descubre por medio de la madre de Romina.

Desde acá la película se torna una batalla desesperada de un hombre que hace lo que sea para poder hacer dinero para mantener a su familia, (sí, al parecer hacer acrobacias en el circo no paga bien), incluso robar par de bancos aquí y allá, acto que es despreciable desde cualquier punto de vista, pero cuando es Ryan Gosling quien roba, sólo para darle helado a su nuevo bebé, todo cambia. Así es la humanidad, así es el cine, así es Hollywood.

La cinematografía es impecable y viene de la mano del veterano Sean Bobitt. El cast es excelente. Ryan Gosling es el nuevo héroe de películas de acción y acá lo reafirma, su presencia en escena es hipnótica. Eva Mendes es una latina que sabe actuar y que no se preocupa por salir desarreglada en pantalla. Bradley Cooper vuelve a sacarla de home run con un papel que demuestra lo versatil que es el protagonista de The Hangover. Hay otro personaje jóven que también tiene un buen futuro como actor pero para evitar spoilers no puedo decir quién es, se le pudo ver en Chronicle el año pasado.

El plot de la película es tan detallado, tan novelístico y tan lleno de giros que se me hace imposible compartir detalles acá, pero eso es lo que la hace una verdadera montaña rusa que es mejor montar ciego.

A algunos no les gustara el twist de la mitad la cinta y quizás pierdan interés en ella rápidamente, a mi me pareció genial pues es sólo el abreboca de este viaje lleno de preguntas acerca del destino. Son 3 películas en una. Es una historia de corrupción policial, de padres dedicados, de madres sufridas, una película acerca de la vida y de todo lo que se esconde más allá de los pinos, una viaje filosófico que cuestiona muchas cosas del sueño Americano y de la sociedad actual. Una de las mejores películas de lo que va de 2013. Depresiva como ella sola. Real como tu vida.

Hey girl…and boy…ponte tu mejor camisa de Metallica y anda en moto (en metro o a pié si eres green) a ver esta película. Me agradecerás luego.

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WHAT: Spring Breakers Review

Por Lizandro Melean / @lizandro_melean

Spring Breakers es la nueva película del director Harmony Korine (Gummo) protagonizada por Selena Gomez, Ashley Benson, Vanessa Hudgens, Rachel Korine y un casi irreconocible James Franco.

No dejes que el cast de Disney te aleje de esta cinta porque esta película es un golpe en la cara a todos aquellos que pensaron que Project X era la película de una generación. Bobos. Esto es degeneración juvenil al 110%, nihilismo puro, violencia y sexo en cada esquina. Mis respetos a estas cuatro señoritas por quitarse el manto de santas con una película que seguro les abrira puertas, y les cerrará otras.

El film cuenta la historia de 4 niñas que odian vestirse, o así parece porque pasan casi toda la película en traje de baño y sostén, y que quieren pasar el mejor spring break de sus vidas. Para eso deben robar aquí y allá, aspirar cocaína en un cuarto de hotel y tentar a 6 o más hombres borrachos mientras revelan sus pechos y bailan bebiendo cerveza.

Korine ha montado un show de young exploitation en esta cinta. Muchos se sentirán horrorizados, otros pensarán que se trata de una película llena de sexo sin sentido. Para mí es una crítica dura a una juventud que no piensa en el mañana.

James Franco da vida a un personaje que es una sátira al modo de vida gangster (y que se parece demasiado a Kevin Federline), un adulto con alma de niño que ama a Britney Spears y se la pasa apuntando a todo el mundo con un arma. Su interpretación es method acting duro. No hay rastros del Franco verdadero acá. Lo mejor de Spring Breakers.

 El guión es simple, la puesta en escena es llamativa y el soundtrack es una inyección de adrenalina pop. Una película que se burle/rinda tributo a Britney Spears de la manera en que Spring Breakers lo hace es brutal. Yo siempre odié a Britney Spears, ahora soy fan de su canción “Everytime”.

Cámaras lentas, tomas llenas de psicotrópicos, actuaciones reales (aunque todavía debo digerir el papel de Selena Gomez quien realiza el papel menos interasante), James Franco en el mejor rol que ha hecho ultimamente, Skrillex, discos, pechos, traseros, niñas desnudas, trash, drogas, policías, tríos, armas, tiros y la mejor representación de la juventud de estos días que he visto en pantalla este año….Spring Break Forevah!

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WHAT: Django Unchained

Por Lizandro Melean

@lizandro_melean

Django Unchained muestra a un Quentin Tarantino en el tope de su juego. Es una historia épica atípica donde el protagonista es un afroamericano en lá época de la esclavitud, poco antes de la guerra civil en pleno siglo XIX. Es una pieza histórica con salpicadas de humor, actuaciones geniales y litros de sangre falsa, que quizás no sea tan precisa historicamente como la oda a Lincoln de Steven Spielberg, pero es 10 veces más entretenida. Hasta controversial nos ha salido Unchained; el director Spike Lee dice que es una falta de respeto a sus ancestros, pero desde mi punto de vista no veo que lo sea. Creo que Lee está envidioso porque no pega una película desde hace rato. No importa, de vuelta a mi reseña.

La película se concentra en Django, un negrito esclavo que se la pasa dos horas y media buscando a su mujer quien se encuentra prisionera en alguna plantación del sur de los EE.UU., ayudado por el Dr. King Shultz, interpretado por Christoph Waltz, quien de nuevo magistralmente se roba el show con un personaje que es básicamente la antitesis de su interpretación ganadora del Oscar a mejor actor de reparto en Inglorious Basterds. Acá Waltz es un cazarecompensas que resulta ser el personaje más compasivo de todo el rollo. Otra sorpresa es Samuel L. Jackson quien le da vida a su mejor papel desde Pulp Fiction. Sí, es así de bueno.

Si te gustan los westerns tus ojos brillarán al ver como Sergio Leone le enseñó a Quentin un par de trucos y más, incluyendo el uso de Ennio Morricone como parte del soundtrack. Un director que logre, sin ningun decoro y tan rápido como una jalada de gatillo, que la audiencia acepte los beats urbanos de Tupac Shakur justo después de una pieza clásica de Morricone es un genio. Por otro lado, si no te gustan los cuentos de vaqueros, esta es la película perfecta para que luego corras a alquilar The Good, The Bad and The Ugly y veas de lo que te perdiste toda tu vida.

Las actuaciones son increibles, tanto así que no te imaginas a otro actor encarnando cada papel protagonico en la cinta. Desde Jamie Foxx como Django, hasta Leonardo Dicaprio como el vil Calvin Candie, dueño de Candieland, el sitio donde la esposa de Django está recluída como esclava. Dicaprio sale de su zona de galán con un maquillaje dental y una forma de actuar que te hace ver lo versatil que es el actor de Titanic, él y Brad Pitt deben ser los actores modernos más ignorados por la academia.

Tarantino y Drácula tienen dos cosas en común, ¡cómo aman la sangre! Esta película tiene tanto líquido rojo que sería largo (e injusto para quienes no la han visto), describir los innumerables latigazos, tiros y muertos que ofrece. Sólo digo que no es para el débil de estómago, pero si sobreviviste a Hostal o a Saw esto será un paseo por el parque para ti. El guión tiene decenas de one liners que bien podrían ser parte de tu biografía de Twitter. Si algo lleva consigo el adjetivo mordaz son los diálogos que Tarantino escupe en papel y aca no decepciona.

Django es perfecta. Hubiese preferido que la cinta terminara justo antes del cameo de Tarantino con el mejor tiroteo que he visto en una cinta americana este año, pero de igual modo los 165 minutos no se te hacen pesados y eso ya es hablar bastante de un film de casi 3 horas de duración.

Ponte tus botas de vaquero, compra unas cotufas gigantes y corre al cine más cercano donde estén dando esta cinta. Tarantino lo ha hecho de nuevo y esto es para verlo en la gran pantalla.